Personale “Reflections” a cura di Stefano Castelli, GALLERIA BIANCA MARIA RIZZI, Milano
Art(Verona, GALLERIA BIANCA MARIA RIZZI, Milano
Collettiva “La nuova figurazione italiana. To be continued …” a cura di Chiara Canali, Fabbrica Borroni (catalogo)
Collettiva “Segni – viaggio nel disegno contemporaneo” a cura di Mimmo Di Marzio, Casa d´Arte San Lorenzo (catalogo)
Collettiva “City” a cura di Chiara Canali, Gallerie Le Stelle, Parma, in collaborazione con GALLERIA BIANCA MARIA RIZZI, Milano
Asta benefica a favore di Child Priority, Sotheby´s Italia, Montecarlo. Catalogo bilingue a cura di Marta Casati e Cristina Castelli, Courtesy GALLERIA BIANCA MARIA RIZZI, Milano
Asta benefica a favore della Associazione Montessori Internazionale (AMI) in collaborazione con GALLERIA BIANCA MARIA RIZZI, Milano, Lions Club Salzgitter e la Sparkasse Salzgitter-Bad (GER)
MiArt, GALLERIA BIANCA MARIA RIZZI, Milano

REFLECTIONS
Stefano Castelli

L’architettura moderna è in gran parte la risoluzione
ovvia di piccoli problemi di adattamento a un gusto corrente
di arredo e di sistemazioni commerciali.
Mario Sironi, 1935 circa.

L’architettura vive di un’intrinseca tensione tra la dimensione funzionale e quella estetica. La conformazione delle metropoli odierne sembra orientata esclusivamente verso la prima dimensione, quella di un funzionalismo esasperato fatto di segni e non di simboli del vivere. Ne deriva la necessità per il cittadino di riappropriarsi degli spazi in cui vive, di ristabilire un contatto simbolico con essi e, di conseguenza, con gli altri abitanti.
Risulta sorprendente e paradossale che a darci un’immagine vera, rivelata, fedele alla tradizione visiva milanese, sia un Serbo nato nel 1980. Mihailo Beli Karanovic legge e restituisce Milano sotto una luce che non può aver conosciuto né per provenienza né per la sua anagrafe. Eppure sulle sue tele del nuovo ciclo Reflections vive la luce di una Milano che ancora interagiva visivamente con i suoi abitanti, una luce che oggi è sommersa da un’espansione architettonica che procede per accumulo, seppellendo le istanze che innovavano a partire dalla tradizione.
Questa capacità di vedere e restituire ciò che gli è preesistito, una sorta di pre-scienza al contrario, gli deriva dallo studio dell’arte antica, che lo ha portato a voler toccare con mano la storia artistica d’Italia, trasferendosi nel nostro paese e entrando in contatto diretto con i monumenti delle città d’arte italiane. La passione con cui si avvicina al suo soggetto e la tecnica, di per sé ottima, ne trovano grande giovamento.
In effetti, una delle modalità che assume il distacco del cittadino dallo spazio urbano è proprio l’oblio dei monumenti storici, nascosti dai nuovi agglomerati architettonici e trascurati da chi vi passa accanto.

Il procedimento con cui Karanovic rimette in luce i monumenti di Milano è quello tipico della Pop Art, il riporto. Riprodurre un pezzo di realtà vuol dire farlo vivere una seconda volta nell’occhio di chi guarda, farlo riconsiderare, creare un dibattito intorno ad esso.
Sui dipinti in mostra le Colonne di San Lorenzo, i Caselli di Porta Venezia e Piazza XXIV Maggio sono oggetto di un vero e proprio riporto su tela, per quanto nessuna tecnica di riproduzione seriale intervenga. Tali soggetti sono dipinti secondo gli stilemi Pop, centralità, frontalità, parziale piattezza, in partenza anche oggettività.
Solo dopo l’individuazione di questo nucleo interviene il taglio espressionistico-surreale, nella forza delle luci e dei colori che a tratti sopravanzano il disegno e negli accostamenti incongrui. Milano si trova così affacciata sul Danubio e in esso si riflette, in un approccio decostruttivo che arriva per paradosso a dimostrare l’assunto iniziale.
La commistione di riferimenti crea comunque un insieme coerente e stilisticamente autonomo, visto che Karanovic fa decantare le correnti pittoriche del XX secolo e quelle antiche, usandone solo l’essenza non applicata, il sentimento che esse infondono. Egli raccoglie come al setaccio le gemme cui i pittori del passato hanno dato concrezione. L’applicazione è invece del tutto autonoma e, va precisato, contemporanea.

In effetti, non si deve pensare a Karanovic come a un “passatista”, o come a un reazionario. Pittoricamente come a livello di contenuto, la sua pratica è progressista. Elevarsi dall’alienazione urbana significa trovare un modo nuovo di vivere gli spazi metropolitani, così come tener presente i riferimenti artistici del passato significa, almeno per Karanovic, dibatterli e riconsiderarli, dapprima nella sua propria considerazione di essi, e poi confrontandosi col pubblico.
In questi paesaggi, segno principe di contemporaneità sono le direttrici spaziali che, oltre a dare movimento all’opera, fanno pensare allo scambio telematico di informazioni che oggi avviluppa la città come un’aerodinamica ragnatela.

Si è parlato della luce di Milano, quel misto di giallo, verde e ocra che rifulge dai palazzi nel tardo pomeriggio, quando la luce naturale cala e i riflettori da palcoscenico dell’illuminazione artificiale ancora non sono accesi. Quell’attimo di luce “sincera”, prima che inizi la recita serale dei locali e dei multisala.
Sono esattamente queste le tonalità che l’artista riproduce, riportando contemporaneamente in vita la tessitura Sironiana. Varrebbe la pena osservare i quadri di Karanovic durante le varie fasi della loro realizzazione: è proprio sotto la superficie che cova la terrosità di Sironi, prima che le venga sovrapposta, senza peraltro annullarla, la patina di attualità che vira al giallo proprio della luce artificiale, elettronica.
Atto coraggioso, quello di coprire una poetica che sarebbe un risultato in sé. Eppure, sulle tele di Reflections ogni nuovo strato svela quello sottostante, rivalutandolo alla luce dell’interazione di istanze contrastanti. Il color avorio che denota il monumento è segno di distinzione che irradia di sé tutta la tela e raggiunge l’occhio dello spettatore. Pietra preziosa dilapidata in un tourbillon visivo che viene rivalorizzata tramite l’uniformità finale.
Uniformità che deriva dal più evidente progresso di Karanovic in questa nuova serie di lavori: la capacità di sintesi, decisamente accentuatasi rispetto alle precedenti vedute belgradesi. Una sintesi raggiunta paradossalmente proprio quando l’artista smette di dipingere ciò che è suo dalla nascita, e si appropria artisticamente di Milano come già ha fatto da cittadino.
Sono i sorprendenti sincretismi dell’arte, e degli individui contemporanei, costretti a confrontarsi con la dittatura della mescolanza di riferimenti, e che sanno far intuire con i loro incongrui riassunti una nuova via, ecumenica ma massimamente determinata.

Testo Alessandro Riva

Appunti di viaggio

L'iconografia della città può diventare il pretesto, per alcuni artisti, per una riflessione insieme estetica, storica, sentimentale, critica. Il caso di Beli Karanovic, venticinquenne, serbo, trapiantato da qualche anno in Italia perché trascinato da un amore irresistibile per "l'arte classica e per l'arte italiana", in una parola per quel coacervo di memoria storica e di fascino aristocratico non esente da una certa aura di decandenza che ancora, e nonostante tutto - nonostante, cioè, i mille strupri imposti al paesaggio e alla bellezza dalla valanga di cemento gettatoci addosso dai mille abusivismi, architettismi e ingegnerismi nostrani -, quel fascino che l'Italia conserva ancora grazie alla miriade di quadri sparpagliati nei musei, nelle chiese, nei palazzi, e anche negl'immensi e sempre straripanti depositi dei medesimi musei e delle accademie sparse un po' ovunque in tutta la penisola, ma anche in qualche scorcio di paesaggio rinascimentale che, qua e là, sembra far inaspettatamente capolino tra un viadotto e l'altro d'una qualsiasi autostrada, come certi sfondi paesaggistici intravisti nel riquadro d'una finestra di alcuni capolavori cinquecenteschi, il caso di Beli Karanovic, dicevamo, è a questo proposito esemplare. Karanovic, infatti, che dice di amare "le metropoli, le città industriali, i paesaggi urbani perchè vi respiro la vita reale quotidiana", benché abbia amato e molto guardato, in Italia, all'arte rinascimentale e barocca, arrivando a copiare, come gli antichi protagonisti del più tradizionale e settecentesco voyage en Italie, le composizioni dei maestri italiani cinque e secenteschi, oggi s'è gettato mani e piedi in un nuovo ciclo di paesaggi in cui ha, finalmente, inserito tutto ciò che gli straripava, gli traboccava, che letteralmente tracimava di sotto la sua dura scorza di pittore puro, insieme di testa e di istinto, di composizioni rigorose ma anche di atmosfere drammatiche e taglienti, di severe linee architettoniche e di improvvisi sprazzi di colore: ci ha messo, in buona sostanza, la storia sua, del suo paese, della - e delle - sue città serbe, con tutto il loro carico di dolore, di violenza, di tragedie ancora brucianti ma che forse in molti vorrebbero già dimenticare e lasciarsi alle spalle, per ricominciare finalmente a vivere, ma anche col loro carico di bellezza, di rimpianto, di malinconia sottile e tagliente come la lama affilata di un rasoio. Quello che Beli Karanovic è andato, quadro dopo quadro, costruendo, è, più che un puzzle paesaggistico o architettonico, un vero e proprio diario per immagini in cui il sentimento della storia, il suo andamento lento e ondivago, fatto della stratificazione successiva delle mille memorie private e personali di chi la storia l'ha vista crescere e mutare sotto i propri occhi, con il suo carico di tragedie annunciate e di ferite inferte al corpo vivo non solo del paesaggio e della griglia architettonica - con la presenza pesante e irrespirabile della guerra, innazitutto, con i suoi ponti crollati, i palazzi sventrati, le ferrovie divelte, le macerie fumanti -, ma anche a quello della popolazione, con le mille storie individuali dei tanti anonimi protagonisti trasformate all'improvviso in immagini, ricordi, istantanee di un'epoca che esiste solo nel ricordo di chi l'ha vista e vissuta proprio in quel preciso istante: un diario per immagini, tracciato con la mano svelta e decisa del pittore puro, che della città fornisce pochi e decisivi elementi - lo skyline urbano, a chiudere visivamente l'orizzonte, e in primo piano la prospettiva in fuga di un ponte appena ricostruito, o quella, spezzata, di un ponte divelto dalla violenza di un attacco aereo, o il fumo nero d'una raffineria in fiamme, che impesta ogni cosa con i suoi miasmi putrescenti ("mi ricordo", mi dice Beli guardando uno dei suoi quadri recenti, "quando hanno bombardato la raffineria a Novi Sad, e a mezzogiorno c'erano nuvole nere su tutta la città, poi per una settimana ha cominciato a piovere, e non si poteva uscire di casa, perché scendeva una pioggia nera e spessa come catrame"): istantanee di vite sospese a metà, sorprese all'improvviso nel loro andamento quotidiano da un'apparizione, un'epifania, uno iato acuto e inaspettato, che le distorce e le congela nell'atmosfera straziante e angosciosa del ricordo. In alto, in ogni quadro, una scritta, stampigliata con la materia fredda e burocratica delle mascherine a inchiostro rosso corposo dei timbri postali, ricorda semplicemente il luogo, teatro ideale e reale di questo dramma per immagini; dentro al quadro, mescolati al colore, al pigmento, al segno nero e deciso della composizione, si mescolano scontrini fiscali, biglietti del treno o dell'autobus, reperti di un passato che rimarrà per sempre impresso nel reticolo della nostra memoria collettiva; e al centro, quasi sempre, nel bel mezzo di un ponte prima o dopo la sua definitiva distruzione, una colata rosso sangue, che segna come una ferita ancora aperta il "punto critico" del quadro, come lo definisce, con acutezza, l'artista, ovvero il luogo esistenziale ed emozionale dove l'artista stesso sente di stare, e dove, con lui, noi spettatori siamo invitati a entrare. E' l'altro punto di vista di questo bizzarro e frammetario diario per imamgini di un paese e di una serie di città spezzate, ferite, è lo sguardo obliquo di un artista che non vuol dimenticare, per elaborare, attraverso la visione, il senso di un percorso di dolore, ma anche di crescita, di speranza, di ricostruzione etica ed estetica.

Alessandro Riva

Mihailo Beli Karanovic

Intervista a Mihailo Beli Karanovic
Domande di Cecilia Antolini

Cecilia Antolini: Parlaci delle tue origini, geografiche e artistiche, e della loro interazione.
Beli Karanovic: Sono nato nel 1980 a Vrsac, in Serbia, dove ho vissuto anche durante la guerra. Dipingo, con una certa facilità, da quando avevo 10 anni. Facevo riproduzioni di quadri celebri e lavoravo per uno dei più importanti artisti serbi: Zivko Grozdanic, detto Gera, il presidente della Biennale Serba e del Museo d'arte contemporanea di Novi Sad. La mia formazione è iniziata con Architettura, ma ho poi cambiato e in Italia frequento l'Accademia di Brera. I miei lavori urbani non sono iniziati con la Serbia, ma con Milano. Ora tornano invece verso le mie origini, forse proprio dopo il mio ultimo viaggio nella mia terra.

C.A.: La tua è ora un'indagine sul paesaggio urbano. Attualissima, viste le tendenze contemporanee, ma tu la vivi in un modo particolare. Cos'erano le tue città e cosa sono ora?
B.K. : La città è per me un luogo che raccoglie e trasmette energie umane, fatte di scambi, mutamenti, incroci. Le mie scelte partono da un'esigenza stilistica di componimento, ma parlano anzitutto dell'uomo. All'inizio era la fluidità dell'atmosfera che volevo catturare, il gioco delle luci e delle ombre. Ma mancava la prospettiva. A quel punto sono iniziati i lavori sui ponti, fatti di linee di fuga dove i giochi delle prospettive sono fondamentali.

C.A.: Su questo ruolo della prospettiva realizzi la tua fusione di pittura e architettura. Fenomeno antico eppure sempre attuale. Hai un forte rigore misto a grande libertà: come li coniughi?
B.K.: Cerco la prospettiva intuitiva di un campo a 180° e la trovo proprio grazie alle linee fondamentali delle fughe prospettiche. Queste possono essere applicate a qualsiasi fondo, arrivando a dargli forma. I miei cieli, le mie acque, sono frutto di un lavoro al limite dell'action painting, sono assembramenti di colore quasi astratti, e le linee riordinano questo fondo informe. C'è così, insieme, la precisione architettonica e la libertà delle macchie pittoriche.

C.A.: Da qui i tuoi ultimi lavori su carta trasparente?
B.K.: Proprio da qui, per sottolineare questo potere di linee ben studiate di restituire una percezione rigorosa a partire da qualunque fondo. È quello che io chiamo "dinamica della forma immobile", dove si ha la sensazione che tutto sia fermo nelle linee prospettiche ma dove tutto si muove nella pittura e nella percezione.

C.A.: C'è un'anonimia apparente nei luoghi dei tuoi quadri. Ma se non sbaglio è proprio solo apparente.
B.K.: Nei miei quadri ci sono tutto io. Tutta la mia vita. Dietro le mie linee impersonali metto in gioco tutto me stesso. Ogni esigenza cromatica o compositiva risponde anche a un'esigenza personale. Le scritte rosse, ad esempio, sono tutte nate dopo il mio viaggio in Serbia. Dicono il nome della città, danno un titolo al quadro, equilibrano il colore della tela, ma nascono innanzitutto da mutamenti emotivi. Ogni elemento ha molto a che fare con la mia vita. La città parla dell'uomo senza bisogno di raffigurarlo, io elimino persino gli alberi; i miei quadri parlano anche di me, senza bisogno di impormi al pubblico.

C.A.: Persino i collage con cui costruisci gli sfondi?
B.K.: Li ho messi sulle tele poco a poco, ma sono diventati sempre meno decorativi e più sostanziali. I collage sono nati come pezzi di Serbia, fatti di biglietti di mezzi pubblici, scontrini e affini. Sono stati simboli della mia terra, dei suoi cambiamenti: pensiamo solo al fatto che fino a 6 mesi fa in Serbia non esistevano gli scontrini. In alcune opere sono fondamentali simboli autobiografici, sono i biglietti del mio viaggio, le mie multe, le caramelle che mangio con la mia ragazza.

C.A.: Ma il pubblico deve saperlo, sennò il messaggio come arriva?
B.K.: Non sono importanti i fatti dietro ogni pezzo di quadro. È importante la loro forza, l'energia dell'insieme.

C.A.: In effetti anche le tue scritte in cirillico non sono particolarmente chiare. Resta sempre un fondo misterioso dietro l'apparente immediatezza del paesaggio.
B.K.: Credo che l'arte debba sempre essere percezione, di un'energia innanzitutto. Ogni mio quadro è una pagina di diario. Non mi interessa trasmettere informazioni sulla mia vita, ma neppure restituire fotografie o racconti impersonali. È difficile trovare il giusto equilibrio tra il mettere se stessi nel quadro e dare forza al quadro solo. Ogni quadro ha comunque sempre il suo segreto, qualche elemento che sfugge dietro cui comunque c'è l'autore. Ma l'equilibrio formale non ne risente, anzi può esserne rafforzato.

C.A.: Qualche soluzione l'hai trovata…
B.K.: Un esempio sono certamente le colate scure sulle tele. È la componente action painting della mia arte, quella con cui do sfogo a gesti liberatori; ma è anche la componente concettuale e figurativa al tempo stesso. Quando hanno bombardato Novi Sad l'obbiettivo maggiore era la raffineria. Il cielo è stato nero, scuro, denso per giorni. Pioveva nero, sul serio. Non si può immaginare se non si è visto. Come dicevo, risolvo cromatismo compositivo mentre cerco di trasmettere energia della storia, anche personale.

Mihailo Beli Karanovic

Vero enfant prodige dell'universo artistico -a noi totalmente sconosciuto- dell'ex Yugoslavia, Mihailo-Beli Karanovic, classe 1980, a soli dieci anni fu ammesso nello studio di Zivko Grozdanic detto 'Gera' uno dei maggiori rappresentanti dell'arte contemporanea slava, allora presidente della Biennale Serba. Questo evento ebbe una tale risonanza che la televisione jugoslava dedicò un lungo servizio in prima serata all'artista ragazzino Mihailo. Anche se é ridicolo, basta un simile fatto per illuminare l'abissale distanza (anzi l'abisso culturale) tra i media nati sotto il regime di Tito (scomparso nel 1980) e gli attuali format dei canali televisivi italiani, ben più avvezzi a celebrare le sonore performance notturne di ignorantissimi sconosciuti pescati nel sottobosco culturale della volgare provincia. Eppure, dopo la tragica disgregazione del suo paese, Beli -ormai venticiquenne- sceglie di trasferirsi in Italia. Dove inizia a frequentare un corso di pittura presso la milanesissima e rinomata Accademia di Brera. L'amore per la classicità e la grande passione per la pittura di questo giovane artista lo trascinano, sognante, nella terra un tempo amata e celebrata da artisti, poeti e intellettuali di tutto il mondo. Oggi il segno pittorico di Beli, occupato a trascrivere le albe inquinate di Milano, ci regala una pittura altamente intrisa di metafisica malinconia. Capace di trasfondere nell'animo di chi la osserva l'istantanea poesia della luce e del silenzio. Una dote rara, in grado di ricordarci le tragiche e novecentesche periferie cittadine di un artista che ha lungamente gioito e sofferto -proprio per politici motivi- come Mario Sironi. Chi ben conosce Beli sa che, dietro le quinte, questo giovane artista suda e lavora per molti mesi per costruire con perfetta astrazione e straordinaria tecnica inedite interpretazioni di alcuni capolavori del Seicento italiano. Che egli ama con vera passione. Così quando hanno offerto, all'amico Di Marzio e a me l'occasione di presentare una doppia antologica di questo pittore serbo con un eclettico artista croato, non ho potuto fare altro che accettare di cuore. Eccovi allora due vere e diagonali interpretazione dell'arte. L'una giocata sulla molteplice potenzialità dei codici linguistici. L'altra, quella dell'amico Beli, grondante di fatica e di passione per l'antico, rinascimentale e straordinario mestiere del pittore. In entrambi i casi ciò che conta è una cosa soltanto. Che nulla mai ha avuto o avrà a che fare con la scelta dei medium e dei soggetti. O, men che meno, con la personale storia dei singoli artefici. A questa dote, grazie ai nostri maestri, noi oggi sappiamo dare un nome: poesia. Ciò che Beli e Kruno stanno tenacemente inseguendo. E tutti noi con loro. Ciò che è poetico rimane. Chi confida nell'asettico presente si astenga, per cortesia, dalla passione dell'arte.