Mihailo Beli Karanovic

Mihailo Beli Karanovic
Autoput_#2
2016 - 90x130 cm
Acrilico su tela
Acryl auf Leinwand
Acrylic on canvas
Mihailo Beli Karanovic
Autoput_#4
2016 - 90x130 cm
Acrilico su tela
Acryl auf Leinwand
Acrylic on canvas
Mihailo Beli Karanovic
Autoput_#3
2016 - 130x90 cm
Acrilico su tela
Acryl auf Leinwand
Acrylic on canvas
Mihailo Beli Karanovic
Autoput_#1
2016 - 130x90 cm
Acrilico su tela
Acryl auf Leinwand
Acrylic on canvas
Mihailo Beli Karanovic
Herbarium_035
2016 - 100x170 cm
Acrilico su tela
Acryl auf Leinwand
Acrylic on canvas
Mihailo Beli Karanovic
Herbarium_039
2016 - 100x170 cm
Acrilico su tela
Acryl auf Leinwand
Acrylic on canvas

Mihailo Beli Karanovic, nato a Vrsac nel 1980. A soli dieci anni fu ammesso allo studio del pittore Zivko Grozdanic. Nel 1999 si diploma alla Scuola superiore di design Bogdan Suput di Novi Sad. Quindi frequenta il corso di Ranko Radovic all'Università di Architettura di Novi Sad e poi ha studiato all´Accademia di Belle Arti di Brera di Milano. Attualmente vive e lavora a Belgrado.

 

Selected Solo Show

2016
Blacklight
, Student Cultural Centre "Factory", Novi Sad, Serbia
Blacklight
, Gallery of Contemporary Art of Cultural Center of Vrsac, Serbia
Tracce, Bi-personale con Mirsad Herenda, Galleria Bianca Maria Rizzi & Matthias Ritter, Milano. Testo critico di Emanuele Beluffi

2010
Astanti
, MC2 Gallery, Milano. Curatori: Emanuele Beluffi e Claudio Composti

2009
Pictura Poesis
, Galleria Bianca Maria Rizzi, Milano. Curatore: Emanuele Beluffi (C)

2007
Reflections
, Galleria Bianca Maria Rizzi, Milano. Curatore: Stefano Castelli

2006
Mihailo Beli Karanovic
, Galleria Radar, Mestre (VE)
MMC Led Art
, Galleria Art Klinika - “SOK”, Novi Sad, Serbia. Curatore: Nikola Dzafo
Mihailo Beli Karanovic
, Museo d´Arte Contemporanea di Novi Sad, Serbia. Curatore: Zivko Grozdanic

 

Selected Group Show

2013
NERO
, Galleria Bianca Maria Rizzi & Matthias Ritter, Milano, Curatore: Emanuele Beluffi

2010
Bird House
, Museo di Storia Naturale, Milano. Curatore: Associazione Laboratorio Alchemico

2009
Asta di beneficenza a favore di Save the Children, Conservatorio di Milano. Curatori: Emanuele Beluffi e Philippe Daverio

2008
GADEWE – Galerie des Westens, Brema (GER). Curatore: Tom Gefken
Repertorio d´artista, Studio Dei Notai Laurini Clerici. Curatore: Emanuele Beluffi
Sorsi di Pace, Galleria Arte ad Altro, Gattinara (VC). Curatrice: Chiara Canali

2007
La nuova figurazione italiana. To be continued …
, Fabbrica Borroni, Bollate (MI). Curatrice: Chiara Canali
Segni – viaggio nel disegno contemporaneo
, Casa d´Arte San Lorenzo (MI). Curatore: Mimmo Di Marzio
Asta benefica a favore di Child Priority, Sotheby´s Italia, Montecarlo. Catalogo a cura di Marta Casati e Cristina Castelli

2006
TransumArt
, Comune di Bedonia (PR) in collaborazione con Galleria Bianca Maria Rizzi, Milano. Curatrice: Chiara Canali
Bridges
, Galleria Bianca Maria Rizzi, Milano. Curatori: Alessandro Riva e Cecilia Antolini
Human@rt, Le Ciminiere, Catania. Curatore: Lucio Barbera
Finalista Premio Italian Factory per la Giovane Pittura Italiana, Casa del Pane, Porta Venezia, Milano Curatore: Alessandro Riva

2005
Altre voci, altre stanze
, Le Ciminiere, Catania. Curatore: Alessandro Riva
IKA 01
, Galleria Bianca Maria Rizzi, Milano. Curatori: Paolo Manazza e Mimmo Di Marzio

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Karanovic - Herbarium Series

The Herbarium Series
Herbarium

 

In the Herbarium series of paintings, the artist tried to separate the tree from the concept of classic landscape and to give it an iconographic meaning and the artist approached it as a subject for analysis in order to tell a story about the relation between man and nature and man’s influence on the environment. Each painting, each tree portrait, represents one Herbarium page and the entire series of paintings represents a great book covering the analysis of current social issues. The idea of the society’s environmental consciousness is the most popular phenomenon at this moment. This phenomenon does not only represent the direct influence on the preservation of nature, but the society’s “consciousness” alone of adopting such attitude towards the environment, is as a phenomenon a special topic for analysis. It places the man in a position to directly influence the nature and change it in accordance with his will and needs, but also to use this problem as a marketing initiator for manipulation with the aim to increase financial and political powers.

Il nome di questa serie viene dall’erboristeria, il classico studio Herbarium per seccare e catalogare le piante.

Ho preso il nome Herbarium perché io in qualche modo sto catalogando le piante, sebbene non per lo studio della biologia ma per lo studio dell'estetica. Mi piace mantenere l’estetica dello schizzo come se fosse un libro di appunti, un elaborato di pittura del paesaggio; solo che sto cercando di tirare fuori l'albero dal contesto del classico paesaggio, ed è per questo che non c`è l´orizzonte né nessun altro elemento che ricordi la natura come è fatta realmente. In pratica, sto facendo dei ritratti di alberi, dando ad essi un’importanza iconografica.

Il format che ho scelto alla fine, in bianco e nero, è per cercare di provocare l'atmosfera della nostalgia, la stessa che provi guardando le vecchie foto, quando ti senti portare indietro nel tempo.

 

La scelta dell'albero come soggetto è per accentuare la bellezza della natura, quella che ci circonda: ricordare quanto, nella vita contemporanea, sia importante capire e cercare di essere in sintonia con la natura, e affermare come sia questo l'unico modo autentico di vivere questa vita sulla terra.

Non so come… ma gli ultimi due anni, in cui sto sviluppando questa serie e sto cercando il modo giusto di rappresentare il paesaggio contemporaneo, non riesco a togliere gli occhi dagli alberi: mi ipnotizzano. La forma e il gioco della luce e delle ombre – semplicemente – è troppo bello. La tecnica è simile a quella dei fiamminghi per dipingere gli alberi, che usavano la lacca lucida per separare gli strati di pittura.

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Karanovic Statement

Karanovic - Statement

Any material which leaves or bears traces can be the material that can be worked with. Painting should always be approached to as an open medium and if the artist wants to achieve the desired aesthetic forms, he must not base them on basic, classic techniques, but on pure experimenting and direct improvisation at the moment of painting. This same approach should be used when it comes to three-dimensional shaping. Any material that can be shaped should be combined with a different material whose structure, texture or graphic element can be utilized.

 

At the moment of creating an artwork, whose creation requires time, painting and sculpting represent a combination of author’s different experiences. The artist’s mood is different each day and he composes the artwork in such a way that it satisfies the final aesthetic form which is a combination of his emotions from different time periods, and thus the painting itself embodies diverse feelings of the artist. This is the reason why one’s approach to painting should be to paint several paintings simultaneously and to allow one’s feelings to guide how and which painting should be painted at that moment. Same canvases are often repainted several times which enriches the canvas with elements that are controlled in the final stage of painting so as to achieve the desired form. That process of enriching the foundation, whether it be canvas or paper, can take several months until the artist decides that the foundation can be painted on and until he decides that the texture and structure of the canvas satisfies his aesthetic desires. In addition to this, the act of finishing a painting alone is directly connected to the artist’s mental and emotional state. The moment when there is nothing more that is upsetting on the painting urging the artist to make adjustments and when the artist can look at the painting and not feel compelled to make changes because harmony and concord are not achieved, that is the moment when the artist realizes that the painting is completed. The painter should not permit not having control over his work and he should be the one who, at any moment, decides on the aesthetic of the artwork since he must be able to repeat it and he must also control and use as artistic elements some coincidences that cannot be painted but that rather occur (e.g. dripping). This approach to painting is directly influenced by works of artists such as Jackson Pollok, Anselm Kiefer, Yves Klein, Cy Twombly, Jiro Yoshihara and other. The studying of the work of these artists and many other 20th century artists draws much inspiration. The inspiration can be especially found in sculpture, in Christo’s early artworks, as well as Piero Manzoni’s and their concept hidden aesthetics.

 

The concept encompassing the artist’s entire work represents a detail analysis of contemporary society and places current issues in the domain of public discussion by virtue of allegorical visual form, whether through landscape narrative art or spatial installations.

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Tracce di Emanuele Beluffi

Tracce di Emanuele Beluffi

TRACCE. MIHAILO BELI KARANOVIC - MIRSAD HERENDA


Scritto in occasione della mostra bi-personale Tracce
presso Galleria Bianca Maria Rizzi & Matthias Ritter
marzo 2016

 

Questo testo poteva intitolarsi Dove sono in questa storia, ma l’ufficio stampa di Emir Kusturica (o del suo editore italiano) avrebbe risposto coi crediti del copyright. E allora: Tracce, ‘ché il senso è lo stesso. Credo che Mihailo Karanovic e Mirsad Herenda si…”troverebbero” molto nell’allure evocata dalla domanda/non domanda, dal momento che questa mostra è un diario visuale in cui ciascuno dei due artisti ha lasciato tracce del suo sentirsi apolide malgrè lui. Quadri e sculture sono depositi della loro anima: un lascito artistico che è ora un po’ anche “nostro”, perché forse mai come in questo caso “guardare un quadro” e “guardare una scultura” significa accogliere un invito. Si innescano i meccanismi della memoria e mi accorgo che le tracce di Karanovic e di Herenda appartengono in parte anche a me, sia pure in un modo smisuratamente meno drammatico -e meno creativo, va da sé.

 

Entrambi i gruppi di opere di questa mostra sono simboli di un’esperienza di guerra e sradicamento, quella che sconvolse i Balcani all’inizio degli anni Novanta e quella “umanitaria” della NATO per buttare giù Milosevic dalla ex Jugoslavia.

 

Tracce. Io per esempio ricordo ancora i briefing quotidiani di Jamie Shea, il portavoce della NATO col compito di aggiornare la stampa mondiale sull’andamento dei bombardamenti, 78 giorni di pioggia di bombe senza sosta su Belgrado: ne ricordo il volto decisamente “tipico”, un po’ da attore un po’ da musicista. Il suo plasticismo performativo era ineccepibile, bisogna dirlo: impossibile non stare attenti quando parlava lui nella sala stampa della NATO.

 

Un altro flash che conservo nella memoria è la foto pubblicata dal Corriere della Sera il primo giorno in cui uscì a colori, maggio 1999, bombe su Belgrado e in prima pagina il volto di un’anziana serba mentre in lacrime accende una candela in una chiesa ortodossa.

 

E del resto sono impresse nella mente di chiunque abbia più di trent’anni le immagini del massacro di Srebrenica o della distruzione del ponte di Mostar, per non parlare della gente in strada nell’era Vuk Drašković o dei corpi di Boško e Admira trovati abbracciati vicino al ponte Vrbanja a Sarajevo: salti temporali e politici ed etici di pochissimi anni durante i famigerati -in tutti i sensi- Novanta.

 

Le opere di Mihailo Karanovic e Mirsad Herenda, diverse nella loro materialità, sono tuttavia un perfetto connubio: in questo caso non vale il detto per cui gli opposti si attraggono, anzi, gli acrilici di Karanovic e il ferro di Herenda si sposano nella loro assoluta, individuata e singola diversità nel circolo dell’espressività che li accomuna.

 

Ma, come capita sempre quando si ha a che fare con il prodotto della creatività, il senso dell’opera d’arte è sempre simbolico e non a caso il filosofo Ernst Cassirer titolò il suo libro (di-Estetica-e-non-solo) Filosofia delle forme simboliche, perciò il “messaggio” è sempre obliquo, parte dal qui e ora ma arriva all’universalità.

 

Iniziamo col pittore. Vedete alberi neri che si stagliano come baluginii oscuri su di un fondo scabro percorso da accenti, segni, concrezioni e parole. Il nero ha un valore semantico diretto e indiretto, segnico e simbolico: Karanovic dipinge alberi neri per simbolizzare il certificato di morte della Natura, ma sono anche paragonabili ai santi dalle icone. Non solo: essi rappresentano il controcanto di un’etica che non c’è più e in questo senso possiamo dire che c’è tutto Karanovic in questa nuova serie detta Herbarium –si pensi alla serie di qualche anno fa SUPER FUTURO, scenario alla Blade Runner che anticipava nel presente l’obbligo della scelta fra Bene e Male. Molti Herbarium presentano date (16-06, 21-02…) e anni solari (1992, 1999…) che coincidono con momenti particolarmente significativi della biografia dell’autore, trattandosi di annotazioni intrinsecamente connesse ai bombardamenti negli anni Novanta ma non solo, perché a volte il discorso si amplia agli anni dell’atomica (1952, 1955, 1945) e al disastro di Chernobyl (1986).

 

Un accentuatissimo biografismo che si estende dai limiti dell’autobiografia applicandosi a un discorso di respiro più universale che da l’impronta di sé anche alla produzione di Mirsad Herenda: materiale povero ma non da poveraccisti e nemmeno da poveristi embedded (qualunque rifermento all’Arte Povera è puramente voluto), ferro saldato e gocce di metallo che si depositano a formare il sottobosco di  drammatici “paesaggi” silvani sormontati da alberi che coi loro rami piegati ad arco sembrano violentemente flessi da un vento vorticoso.  Anche Herenda ci parla della guerra, di una guerra non sua, che l’ha indotto a cercare negli anni il suo Heimat, la sua “casa”, la sua “patria”. Le sue sculture sono carne viva, testimonianza di un dramma che si estese fin da subito dai confini territoriali e che interessò la comunità internazionale tutta: qui abbiamo un tributo alla Natura, anche in questo caso lontano anni luce dal cliché moraleggiante e ambientalista, ma se nel caso di Karanovic abbiamo un certificato di morte della Natura, nelle sculture di Herenda essa diventa una specie di culla, il tributo a una dimensione protettiva perché i boschi salvarono per davvero l’artista e i suoi cari dalla morte durante i bombardamenti. Anche in questo caso però ci troviamo di fronte a una produzione d’arte che ha anche un messaggio forte, quindi un codice morale se vogliamo dire: l’uomo si rinnova completamente grazie all’esperienza e il valore simbolico di questo messaggio risiede proprio nell’uso del ferro, con le gocce che si depositano naturalmente sulle sculture o al fondo di esse a formarne il sottobosco da cui, anche qui, possono egualmente germogliare il Bene e il Male.

 

Emanuele Beluffi

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